Меню

Какие средства художественной выразительности есть в театре

2. Выразительные средства театра и актерского искусства.

Основное выразительное средство сценического искусства — действие. Цель действия — изменить, переделать предмет, на который направлено действие. В актерском искусстве очень важны психофизические действия, из которых складывается актерская игра. Действия могут быть внутренними (направлены на себя) и внешними (направлены на партнера или на предмет). Действия на сцене выполняются актерами. Это главный выразитель актерского искусства. Все в театре выражается через него. Он говорит со сцены от лица автора, режиссера, целого коллектива, поэтому важны в его работе основные выразительные средства актерского мастерства: слово, голос, движение, пластика. Слово играет огромную роль в искусстве актера. Слово — главный выразитель мысли. Грамотная выразительная речь способна передать всю сложность духовного облика современного человека. Богатый выразительностью голос может передать разные нюансы. Слово — орудие действия. Выразительность сценического движения также очень важна в работе актера. Мимика, жест. Природа актера — виртуозное владение своим телом. Через позу, жест, движение актер должен уметь выражать внутреннее содержание. Плавность и непрерывность движения создают пластичность. Очень важен психологический жест, который должен быть волевым, активным, четким, масштабным, рельефным. Вспомогательными выразительными средствами являются грим, парик, наклейки, костюм, которые подчеркивают и дополняют по смежности или контрасту образ. К выразительным средствам театра относятся: музыка, свет, грим, мизансцена. Атмосфера, художественное оформление, композиция, ритм и т.д. Воздействие музыки на человека чрезвычайно велико, благодаря ее сценическим свойствам. Она способна отобразить чувства человека, явления внешнего мира, социальные конфликты, героические поступки и т.д. Это сильнейшее выразительное средство театра. Свет также является одним из сильнейших средств выразительности театра. Свет должен взаимодействовать с фактурой одежды сцены, костюмов. Свет способствует созданию сценической атмосферы. Атмосферу образуют актер и предлагаемые обстоятельства, в которых он находится. Главный выразитель атмосферы — актер. Через атмосферу выражается идея спектакля, выражаются ритмы сценической жизни, с ней связаны характеры действующих лиц и их отношения. Миссия атмосферы — спасти душу театра от механизации. Костюм должен подчеркивать образ это решение образа, в котором отображены биография человека, характер, национальность, характерные черты времени. Очень важно, чтобы грим был не просто внешним косметическим средством, а внутренним психологическим содержанием образа. Еще одним очень важным выразительным средством театра является художественное оформление, с помощью которого обдумывается решение занавеса, возможность вращающейся сцены, ее приподнимания, использования люков и т.д. Интерьер должен соответствовать характеру действующих лиц. Художник должен уметь образно раскрыть пьесу. Таким образом, выразительных средств очень много.

Тут вы можете оставить комментарий к выбранному абзацу или сообщить об ошибке.

Оставленные комментарии видны всем.

Для продолжения скачивания необходимо пройти капчу:

Источник



Поиск и подбор выразительных средств для спектакля и их разновидности

В своей предыдущей статье я рассказывал о том, как режиссерски создавать структуру (сюжет) спектакля, для чего это нужно, и как осуществлять поиск и подбор некоторых выразительных средств для спектакля. Нынешняя статья – попытка описать различные возможные выразительные средства, а не только те, что я указал в прошлый раз.

Итак, существует несколько основных видов выразительных средств для драматического театрального спектакля:

Сценография/декорирование (декорация) – это искусство размещения (расположения) предметов (объектов интерьера) на сцене таким образом, чтобы через определенный рисунок данного расположения (композицию объектов) — выразить основной конфликт или тему спектакля. Проще говоря, это художественное и пространственное решение спектакля.

Некоторые театральные критики и прочие люди театра полагают, что сценография – это искусство самостоятельного создания цельного художественного образа спектакля. Однако, мне все же представляется, что сценография спектакля – одно из его выразительных средств, — все то, что напрямую связано с художественным и пространственным решением (размещением) вещей и объектов (интерьера) внутри сценического пространства спектакля . Она – средство, инструмент, но никак не самодостаточная величина или боеспособная единица.

Как бы то ни было — все выразительные средства и элементы в спектакле – должны существовать как единый организм, управляемый режиссером. И каждое из них – жизненно важный для спектакля «орган». Невозможно выделить какой-то один из них. Все важные.

Существует пять основных видов сценографии:

  • условно статичная,
  • условно динамическая,
  • динамическая,
  • смешанная,
  • видеоряд и (или) теневые эффекты.

1-2) Статическая сценография не предполагает (или почти не предполагает) смены декорации по ходу спектакля. Условно динамическая сценография – довольно хитрая разновидность статической сценографии, которая меняется не за счет прибавления (убывания, видоизменения) предметов на сцене, а за счет изменения угла зрения зрителей на тот или иной предмет.

Яркий пример такой сценографии – статическая декорация (макет), поставленная на «колесо», размещенное в центре театральной сцены. Вращаясь в определенные моменты действия спектакля, колесо «демонстрирует» зрителям разные стороны (грани) декорационной структуры, которые, сами по себе, неизменны.

3) Динамическая сценография предполагает разнообразие и динамику смены декорационных решений в процессе динамики сюжета и конфликта (темы) спектакля. Во многом, подобные решения зависят от возможностей конкретной театральной сцены. Например, предметы (объекты) декорации могут как бы «надвигаться» на зрительный зал, фактически «выдавливая» актеров на авансцену или на отдельные участки сцены. Может быть и наоборот.

Читайте также:  Моющие средства для террасной доски

4) В «смешанном» виде сценографии — часть декорации имеет статичную природу, а часть – динамическую природу. Текстом это объяснить довольно сложно, это нужно увидеть.

5) Видеоряд (теневые эффекты) – вид динамической сценографии, который стал особенно популярным в конце двадцатого века, с внедрением в драматический театр элементов видео-технологий и компьютерной графики (т.н. «декорационного минимализма»).

Как он проявляется? В определенные моменты сценического действия на сцене «вспыхивает» экран (он может быть рапсположен где угодно, но обязательно в пространстве сцены), на котором возникают кино или документальные картины и/или анимационные образы. Собственно, он (видеоряд) не отменяет «традиционное» решение пространства и объектов спектакля . Но он (видеоряд) привносит в это пространство собственную изобразительную изюминку, нередко и незримо сближая театр и современную жизнь через нити реальной или псевдореальной — документалистики.

Музыкальное оформление спектакля. « Музыка» в театре – не совсем то, к чему мы привыкли в жизни . Это и традиционные музыкальные жанры (прочтения) и особенные звуки, которые можно назвать музыкой лишь с натяжкой. Это и различные шумы (шумовые эффекты), и голосовые вкрапления, и звуки природы и звучания отдельных предметов (в т.ч. — механизмов), и так далее. Театральная звуковая палитра – довольно богата и представлена разными возможностями, тут почти нет каких-то строгих правил или ограничений.

Обычно считается, что для спектакля необходима: 1) основная музыкальная тема (или темы), 2) вспомогательная музыка под отдельные сцены или темы, и 3) музыка на переходы между сценами, 4) финальная музыкальная тема. Лично я в своих спектаклях использую «основную» музыкальную тему, отражающую истинное («правильное») начало, и тему-контрапункт, отражающую «ложное» (неправильное, вредное) начало. Или просто — основную тему, но с обязательным ее изменением в финале (под финал я беру какую-то другую музыку, в зависимости от сверхзадачи спектакля).

При музыкальном выражении кульминации спектакля – я могу использовать ту же тему спектакля, но слегка измененную (по-другому сыгранную). В любом случае, кульминацию, конечно же, надо как-то выделить звуком , и это может быть не обязательно музыка (в нашем традиционном восприятии или понимании).

Если кульминаций в спектакле – несколько – одна и та же композиция (повтор), скорее всего, не подойдет . Нужно подумать, как ее изменить, хотя использовать на разные кульминации «разные» музыкальные отрывки (из совсем разных стилей) — тоже будет неправильно, ибо «кульминационное развитие» — это развитие «одного и того же» явления. А значит, музыка «на разные кульминации» должна быть однородна по своей структуре и по композиции.

Еще – в своих спектаклях я часто использую музыкальные акценты . Это небольшие музыкальные композиции (вкрапления), которые проигрываются в определенные поворотные моменты спектакля. Что это такое и зачем они нужны – я рассказал тут, так что – не буду на этом излишне останавливаться.

Так вот, «обслуживать» подобные поворотные моменты может одна, две или даже три музыкальные мини-композиции. Однако, я предпочитаю использовать одну и ту же композицию на все «повороты» (бывают, конечно, исключения, но сейчас не о них).

Запомните, музыки в спектакле не должно быть много, но она должна быть максимально выверена по времени и по промежутку (конкретной сцене) спектакля, и она должна быть стилистически однородна.

При переходах между сценами я часто использую саму (основную) музыкальную тему, никак ее не изменяя, но, возможно, добавляя к «музыкальному полотну (фону)» какие-то световые и мизансценические решения. Очень важно, чтобы вся музыка для конкретного спектакля была выполнена в единой стилистике, чтобы музыкальный ряд не «распадался » по музыкальным течениям и жанрам, а звучал, дополняя и поддерживая одно другое, создавая единую музыкальную палитру.

Отдельная тема музыкального оформления спектакля – песни и песенные номера, исполняемые актерами «вживую» . Лично я не использую песенные номера в своих спектаклях. Считаю, что песни – отдельная разновидность музыкального искусства, и в драматических спектаклях они не нужны.

Впрочем, понимаю, что многие со мной не согласятся. Возможно, я пока не научился «готовить» песни вживую для своих спектаклей. Поэтому, будем считать этот тезис – моей индивидуальной позицией, видимо, проистекающей от незнания каких-то театральных «вкусностей» и процессов.

Мизансцены спектакля. Если сценография – это расположение предметов на сцене и выстраивание их дальнейшей перспективы, то мизансценирование – это расположение актеров в определенных позициях на определенных участках сцены – в определенные промежутки спектакля. Мизансцены еще называют «пластический рисунок спектакля». И не безосновательно, кстати.

Показательно описание финальной мизансцены, приведенное в произведении Н.В. Гоголя «Ревизор» (она отражает момент получения Городничим и его свитой известия о приезде «настоящего» ревизора). Приведу этот отрывок ниже:

«Городничий посередине (сцены) в виде столба, с распростертыми руками и запрокинутой назад головою. По правую руку его жена и дочь с устремившимся к нему движеньем всего тела; за ними почтмейстер, превратившийся в вопросительный знак, обращенный к зрителям; за ним Лука Лукич, потерявшийся самым невинным образом; за ним, у самого края сцены, три дамы, гостьи, прислонившиеся одна к другой с самым сатирическим выражением лица, относящимся прямо к семейству городничего.

По левую сторону городничего: Земляника, наклонивший голову несколько набок, как будто к чему-то прислушивающийся; за ним судья с растопыренными руками, присевший почти до земли и сделавший движенье губами, как бы хотел посвистать или произнесть: «Вот тебе, бабушка, и Юрьев день!» За ним Коробкин, обратившийся ко зрителям с прищуренным глазом и едким намеком на городничего; за ним, у самого края сцены, Бобчинский и Добчинский с устремившимися движеньями рук друг к другу, разинутыми ртами и выпученными друг на друга глазами. Прочие гости остаются просто столбами. Почти полторы минуты окаменевшая группа сохраняет такое положение. Занавес опускается».

То, что описал Гоголь – классический пример мизансцены. Это, собственно, не значит, что режиссеру, который будет создавать спектакль по пьесе «Ревизор», нужно непременно придерживаться того же рисунка, что и создал драматург в своем произведении. Вовсе нет.

Читайте также:  Информационные технологии как средство повышения мотивации обучающихся

Но это значит, что то, что случилось в финале пьесы (финальное событие спектакля), — должно быть мизансценически выражено, и выражено по определенным правилам .

А о том, какие правила построения мизансцен, какие еще бывают выразительные средства для спектакля, и как осуществлять их поиск и подбор – я расскажу в последующих статьях.

Источник

Художественные (выразительные) средства театра как вида искусства

a) Текст. В основе театрального представления лежит текст. Это пьеса для драматического спектакля, в балете – это либретто. Процесс работы над спектаклем состоит в перенесении драматургического текста на сцену. В результате чего литературное слово становиться словом сценическим.

b) Сценическое пространство. Первое, что видит зритель после открытия (поднятия) занавеса – это сценическое пространство, в котором размещены декорации. Они указывают место действия, историческое время, отражают национальный колорит. При помощи пространственных построений можно передать даже настроение персонажей (например, в эпизоде страданий героя погрузить сцену во мрак или затянуть её задник чёрным).

c) Сцена и зрительный зал. Ещё с античности сформировались два типа сцены и зрительного зала: сцена-коробка и сцена-амфитеатр.Сцена-коробка предусматривает ярусы и партер, а сцену-амфитеатр зрители окружают с трёх сторон. Сейчас в мире используется два типа.

d) Театральное здание. С давних времён театры строились на центральных площадях городов. Архитекторы стремились, чтобы здания были красивыми, привлекали внимания. Приходя в театр, зритель отрешается от повседневной жизни, как бы поднимается над реальностью. Поэтому не случайно в зал часто ведёт украшенная зеркалами лестница.

e) Музыка. Усилить эмоциональное воздействие драматического спектакля помогает музыка. Иногда она звучит не только во время действия, но и в антракте, чтобы поддержать интерес публики.

f) Актёр. Главное лицо спектакля – актёр, который создаёт художественный образ разнообразных характеров. Диалог актёров – это не только слова, но и беседа жестов, поз, взглядов и мимики. Понятия актёр и артист различаются. Актёр – ремество, профессия. Слово артист (англ. аrt – искусство) указывает на принадлежность не к определённой профессии, а к искусству вообще, оно подчёркивает высокое качество мастерства. Артист – это художник независимо от того, играет он в театре или работает в иной области (кино).

g) Режиссёр. Чтобы действие на сцене воспринималось как целое, необходимо его продуманно и последовательно организовать. Эти обязанности выполняет режиссёр. Режиссёр – главный организатор и руководитель театральной постановки. Сотрудничает с художником (создателем зрительного образа спектакля), с композитором (создателем эмоциональной атмосферы спектакля, его музыкально-звукового решения), балетмейстером (создателем пластической выразительности спектакля) и другими. Режиссёр – постановщик, педагог и воспитатель актёра.

В зависимости от преимущества определённых средств сценической выразительности выделяют следующие виды театра

1. Драматический театр. Главное выразительное средство – слово (неслучайно этот театр иногда называют разговорным). Смысл происходящих на сцене событий, характеры действующих лиц раскрываются с помощью слов, которые складываются в текст (прозаический или стихотворный).

2. Опера (возникла на рубеже XVI – XVII вв. во Флоренции). В опере условность театра особенна очевидна (в жизни люди не поют, чтобы рассказать о своих чувствах). Главное в опере – музыка.

3. Балетный театр (сформировался в XVI веке на основе придворных и народных танцев). Само слово «балет» происходит от позднелатинского ballare – танцевать. В балете о событиях и взаимоотношениях персонажей рассказывают движения и танцы, которые артисты исполняют под музыку, сочиненную на основе либретто (ит. libretto – литературный текст оперы или сценарий для балета и пантомимы, в котором излагается содержание – последовательность действий на сцене).

ПРОМЕЖУТОЧНЫЕ виды театров.

4. Оперетта (появилась во Франции во второй половине ХІХ в.). Сюжеты обычно комедийные, разговорные диалоги чередуются с пением и танцами. Иногда музыкальные номера не связаны с сюжетом и являются интермедиями.

Читайте также:  Средства от влажного кашля у взрослых самые эффективные

5. Мюзикл (появился в конце 19 столетия в США). Это сценическое произведение (по сюжету как комическое, так и драматическое), в котором используются формы эстрадного искусства, драматического театра, балета и оперы, бытового танца. Мюзикл – искусство для всех. Сюжеты, как правило, просты, а мелодии часто становятся шлягерами.

6. Пантомима. Самый древний вид театральных представлений, которые зародилось в античности (греч. «пантОмимос» – всё воспроизводящий подражанием). Современная пантомима – спектакли без слов: это или короткие номера, или развёрнутое сценическое действие с сюжетом. Сторонники этого вида театра считают, что жест правдивее и ярче слова.

7. Театры-кабаре (появились в конце ХІХ в. по всей Европе) – это объединение театра, эстрады и ресторанного пения. подвал – как нечто необыкновенное, немного запретное, подпольное. С кабаретными представлениями (короткими сценками, пародиями или песнями) и для публики и для исполнителей было связано особое переживание – чувство ничем не скованной свободы.

8. Кукольный театр. Особый вид театрального представления. В Европе появился в период античности. В Древней Греции и Риме игрались домашние спектакли. В представлениях участвуют только куклы или куклы в кукловодами (актёрами). Наиболее распространены куклы, управляемые при помощи ниток, перчаточные и тростевые.

Особая форма кукольного театра – театр марионеток, деревянных кукол.

9.Особый вид театра – Детский театр.Одной из первых детских постановок стала работа Московского художественного театра. В 1908 году Станиславский поставил пьесу-сказку «Синяя птица». Эта постановка определила путь развития сценического искусства для детей – такой театр обязан быть понятен ребёнку, но, ни в коем случае не примитивным.

Эстрадный театр.

11. Театр миниатюр– это содружество артистов, предпочитающих виды малых форм искусства (монолог, куплет, скетч). Репертуар театра – небольшие одноактные пьесы и театральные постановки комедийных и сатирических жанров, которым свойственны гротесковые и пародийные направления.

12. Пластический театр – театр, в котором используются выразительные средства драмы, танца, пантомимы, цирка, эстрады и пластики актера. Сформировался в 30-е гг. ХХ века. Далее в пластику этого театра активно включается танец, что определило появление нового направления в России – театра танца или хореопластического театра.

Режиссёр решает творческие и технические задачи спектакля, руководит и создаёт сценический мир. Режиссёр (от нем. – управлять) – тот, кто управляет, руководит. Во французском языке – это мастер мизансцены.

Мизансцена (фр. – постановка на сцене) – это расположение актёров на сценической площадке в каждый момент спектакля. Чередование мизансцен в том порядке, в котором предписывает пьеса, и рождает сценическое действие. Иногда применяется ещё один термин – постановщик. Процесс работы над спектаклем предусматривает перевод, переложение литературного текста на особый язык сцены. Режиссёр воспроизводит, т.е. ставит пьесу на сцене при помощи актёров, художника-декоратора, композитора и др., действия и творчество которых подчинены его режиссёрскому замыслу.

Станиславский Константин Сергеевич– русский театральный режиссёр, актёр и педагог, реформатор театра. Создатель знаменитой актёрской системы, которая на протяжении 100 лет имеет огромную популярность в России и в мире.

В 1898 году вместе с Владимиром Ивановичем Немировичем-Данченко основал Московский Художественный театр (МХТ), который позже переименовали в Московский Художественный академический театр (МХАТ).

Главное в сценической этике актера – учение об искусстве, которое призвано воспитывать, облагораживать зрителя. Общая этика включает в себя: гражданственность и патриотизм актера, гуманизм, благородство и трудолюбие. Этика – это учение о творческой дисциплине, это художественные нравственные нормы, при которых формируется актер и без которых невозможно коллективное творчество.

Известные высказывания К.С. Станиславского:

«Люби искусство в себе, а не себя в искусстве»

«Нет маленьких ролей, есть маленькие артисты».

«Отхаркайтесь, прежде чем войти в театр, а, войдя в него, уже не позволяйте плевать по всем углам»

Книги К.С. Станиславского:

Моя жизнь в искусстве

Работа актера над собой

Система Станиславского – высшее достижение театральной культуры, оказавшее огромное влияние на сценическое искусство мира. В системе К.С.Станиславского нашла всеобъемлющее выражение теория и практика «искусства переживания».

Искусство актера – искусство создания сценического образа, вид исполнительского творчества. Материалом для создания образа служат природные данные актера: речь, тело, движения, мимика, эмоциональность, наблюдательность, воображение, память и пр.

Задача системы Станиславского – овладение нормальным человеческим самочувствием и поведением, которое позволяет мыслить, действовать и чувствовать на сцене по тем же законам, по которым мыслит, действует и чувствует в реальной жизни каждый человек. Для достижения этого актеру необходимо работать над совершенствованием своей внутренней и внешней техники.

Задача внутренней техники – это овладение актерским самочувствием: внимание, мускульная свобода, вера в предлагаемые обстоятельства, оценка факта, чувство ритма, готовность действовать, общение.

Задача внешней техники: сделать тело актера податливым внутреннему импульсу, развитие голоса, пластической культуры, чувства ритма.

Основные разделы системы Станиславского:

работа актера над собой

работа актера над ролью

этика (учение о творческой дисциплине)

Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском:

Источник